Edition 2022

See to point est un groupe de mathcore ou de djent, des sous genre de métal, qui tire son inspiration de groupes utilisant des rythmiques particulièrement complexes, tels que Meshuggah ou encore Car Bomb. Il est composé de trois musiciens qui se sont rencontrés à la Haute école de musique de Genève. Till Lingenberg, à la base percussionniste classique, joue la guitare électrique, Latyr boye, à la base contrebassiste, joue la basse électrique et Jaouen Rudolf, à la base percussionniste classique, joue la batterie. 

Sur les traces de personnalités fortes comme PJ Harvey, Lynn Maring se porte volontaire pour expérimenter davantage la indé-pop sans pour autant renier son berceau du rock. Une claque scénique, qui purge dans ses méandres de sonorités à la fois contrastées et symbiotiques. Elle se risque à une esthétique tant sonore que visuelle : volcanique, suave et mystérieuse.

En tant qu'artiste genevoise, qui avant de se lancer en solo a connu bien des scènes avec ses groupes de rock dès ses débuts en 2009 (The Chikitas, Disagony), elle est auteure, parolière, interprète et produit égalemen ses morceaux, qu'elle arrange avec ses musicien-ne-s, ingénieuse son et co-producteur. Son premier EP "Lynn Maring", sorti en 2017 est une fusion de musique rock anglophone transcendantale, une "mood music" aux influences prog-rock, bercées par une voix à la fois enfantine et écorchée.

A ne pas rater... D'autant que le projet reste à surveiller, un prochain opus étant en préparation.

AlterBoy transporte son auditeur vers une destination où éléments électroniques et humains se mêlent, afin de créer un univers sonore hybride singulier. Les thèmes du mensonge et du vide émotionnel sont explorés dans leurs premier album «Fake?».

C’est à travers ces aveux que le groupe questionne son auditeur. Imaginé et façonné dans le calme réconfortant de la montagne, et mis au monde grâce à l'énergie créatrice du A.K.A Studio à Lausanne, ces 4 titres sont le fruit du mélange entre le monde digital, et la chaleur humaine.

Ce travail d’esthétique est une constante au sein de « La Machinerie », collectif dans lequel le groupe s’inscrit. Les voix lourdes d'émotions, entourées des sons torturés des instruments électroniques, créent l'altérité dont le groupe s'enrobe pour ce premier EP. « Fake? » appelle l'auditeur à s'immerger dans un univers où l'intimité et le grandiose règnent en maître.

Avec un univers entre le rock, l'électro et le trip-hop, Sainte-Aube lie l'intensité de ses guitares, de ses batteries et percussions, à une pointe de fragilité dans la voix. Au centre, les textes des chansons, qui soulèvent des réflexions autour des violences, des dogmes, et dans cet univers la place pour le corps et le cœur de chaque être dans son unicité. Aurelia Ansermet et Betty Patural tiennent le lead du projet.

Leur 1er single "Fleurs sauvages" est sorti vendredi 3 décembre 2021. C'est le premier single d'un EP 7 titres qui sortira fin septembre 2022. L'album a été co-réalisé en auto-production, avec Christophe Van Huffel, qui a été le réalisateur des albums du chanteur Christophe « Aimer ce que nous sommes » en 2008, « les vestiges du chaos » en 2016, et du groupe Tanger, entre autres.

Sur cet album, on retrouve aussi le percussionniste argentin Minino Garay et le batteur français Tommy Rizzitelli. En live, Sainte-Aube évolue avec 4 musiciens: Aurelia Ansermet (voix lead, synthé. guitare), Betty Patural (voix, guitare, synthés), Yann Maenner (basse, synthés), Arnaud Girousse (batterie, batteries électroniques).

Mathieu Nuzzo (NOODS) s’allie au duo électropop [chuckles] pour créer un show unique entre techno, house et disco, illustré par la création visuelle de François Moulin (alias Ok Croquette).

Le spectacle Parishan ( پریشان ) prend la forme d’un rituel où s’installe une ambiance hypnotique qui plonge les spectateur·rices et les interprètes dans un vortex d’images délirantes et de sonorités envoutantes. En traversant différentes phases du rêve et du sommeil, nous pénétrons alors dans une dimension ou le réel et l’irréel coexistent. Une confrontation à soi s’impose au travers de ce songe cauchemardesque et nous questionne sur l’existence de ce que nous percevons. Peut-on toujours distinguer le monde de l’imaginaire et celui du concret ? Ou les deux sont-ils liés par des forces métaphysiques et spirituelles ?

Le projet aborde les thématiques du trouble du sommeil et de l’insomnie dans une société où s’intoxiquer pour s’empêcher de dormir est une norme et où l'on est incapable de rejoindre les songes sans l’aide de narcotique. Sur une musique hypnotique, angoissée, sombre et mélancolique, interprétée par cinq musicien·nes, le metteur en scène rends compte de notre monde en folie avec les deux danseur·euses qui sont amenés vers un travail intérieur. Ils et elles sont pris dans une rythmicité surgissante qui traverse quantité d’états et de situations : de l’insomnie à l'effondrement, du songe au cauchemar, de l’empathie à la violence. Dans une forme très théâtrale, Danial Seyed Aboudi active tout autant la mémoire violente de situations archétypales que la brutale actualité de conflits en cours.

Tapage journalier depuis son plus jeune âge, Elouen vit au rythme de ses baguettes ! Pour lui, être sur scène et partager sa passion est comme une évidence, que ce soit en spectacle, en formation de musique de chambre, au sein d'un orchestre ou simplement en solo. Il est dans son élément comme un enfant dans une salle de jeux. Pitch one est né d'une idée née de l'envie de faire découvrir le répertoire soliste contemporain de percussion. Ce sont des pièces virtuoses, insolites, intrigantes, poétiques, drôles et intimistes.

Elouen vous invite à l'aventure du monde mystérieux et fascinant de la percussion mcontemporaine, mêlant des paysages sonores qui se confrontent, se rencontrent, se ressemblent, s'assemblent tout en nous questionnant. Comme un voyage à travers la musique, Elouen part avec ses baguettes, sa caisse claire, ses folies, et vous emmène avec lui au grès des sons, des notes et tout ce qui s'en bruit.

Elouen est étudiant au sein de la Haute École de Musique de Genève après avoir suivi son parcours d'études durant quelques années au conservatoire régional de Caen puis au pôle d'enseignement supérieur de musique et danse de Bordeaux.

Normalement soit tu danses, soit tu te marres : Oéoéoé oblige son public à traiter ces différentes tâches en simultané et l'aide à débloquer de nouveaux skills.

Fat kick, claps, lunettes de soleil et autotune, c'est la base d'un gros son de truands venus du 69, de la capitale des Gaules. Après chaque concert de Oéoéoé, résonne dans toutes les têtes l'hymne à la sauce algérienne. Si le son de Oéoéoé était une sauce, ce serait d'ailleurs celle-là. 

Sûn Claw (les serres sur le soleil) est l’avatar que se donne Ismael Boerner (vibraphone, voix) lorsqu’il écrit et joue avec les mots.

Entre conte, chanson, poésie ou rap, tout n’est que jouerie pour explorer de nouveaux territoires pour ensuite les mêler à la musique, le plus souvent prenant racine dans le jazz avec une bande de joyeux compères composées de Mirko Maio (piano), Antoine Brochot (contrebasse) et Samuel Boutros (batterie).

Né de la rencontre entre le flûtiste jazz Ewan Dayot, la violoncelliste classique Pauline Boulanger, et le percussionniste Noé Benita, le
groupe PopWan explore un jazz aux influences multiples. Ces musiciens issus de la Haute Ecole de Musique de Lausanne font
fusionner les sonorités jazz légères et poétiques de la flûte traversière, les percussions boisées du cajón, le groove de la batterie, et le son
riche et profond du violoncelle classique.

En constante évolution, le style musical de PopWan s’est d’avantage tourné au fil des années vers des influences Hip-Hop. Après trois années de concerts en trio, la nécessité de collaborer avec un rappeur s’impose peu à peu. Une nouvelle énergie s’empare alors de PopWan avec l’arrivée du rappeur Dr Koul.

Ses mots et son flow enrichissent depuis le répertoire de compositions d’Ewan et de Pauline, exploitant d’une manière très actuelle cette association surprenante de styles, et de timbres variés. L’effectif réduit et le son acousTque du groupe s’adapte à toutes les scènes. Entre un flow aiguisé et une atmosphère douce-amère, le groupe distille ses messages d’amour, de colère, de déception et d’espoir, figures d’une génération d’artistes en lutte et en quête de sens.

Des textes empreints de poésie, une voix soul et jazzy, le jeune Sahel nous transporte dans un univers emprunt de musique urbaine. La diversité des
influences qui jalonne son parcours tels que le hip-hop, la soul et le jazz, donne à sa musique une singularité qui séduit un public hétéroclite.

Sur scène, ces textes parfois rapés, souvent chantés, sont accompagnés par des musiciens, jonglant entre des instruments électronique et acoustique

Le Quatuor Amapola est un jeune quatuor composé de quatre saxophonistes de la Haute École de Musique de Genève: Jose Nisa, Ana Parejo, Valentin Arrayet et Jocelyn Erard. Ce quatuor, formé de deux espagnols et deux français, représente avec brio la rencontre entre deux cultures voisines, qui se mélangent et se nourrissent mutuellement. 

Le quatuor est né en 2021, de l’intérêt des jeunes saxophonistes à se plonger dans l’interprétation du répertoire espagnol du XXe siècle dont l’esprit rejoint leur conviction musicale. Le quatuor apprécie beaucoup cette musique et c’est pourquoi il a fouillé le répertoire de la musique nationaliste espagnole et a réalisé ses propres transcriptions pour les proposer en concert. Ainsi, ils effectuent une exploration propre du répertoire non original pour leur instrument à travers leurs propres transcriptions, donnant ainsi une nouvelle sonorité à cette musique conçue pour cordes et piano.

Collectif à géométrie variable formé par une nouvelle génération de musiciens issus des univers du classique, du jazz et de la pop, Captain Neimo & The Nautilus Crew est né de la volonté de ses créateurs de proposer un répertoire audacieux à la croisée de leurs genres respectifs.

Le répertoire du groupe explore ainsi la porosité de la frontière entre savant et populaire. À la manière des jazzmen se réappropriant harmoniquement et stylistiquement des chansons de la musique de variété pour les transformer en standards, le groupe revisite aussi bien des chansons issues de la pop music contemporaine que des œuvres transgressives de compositeurs « classiques ».

Avec une dizaine de musiciens sur scène, le programme instrumental présenté cette année spécialement pour le Paléo Festival ne dérogera pas à la volonté de l’ensemble de proposer une expérience de concert électrisante et virtuose, faisant dialoguer Frank ZAPPA avec John DOWLAND ou Louis COLE.